Marvel Comics

Crítica | Segredos (Identity Disc)

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Uma história de vilões fortemente inspirada em Os Suspeitos (1995). Nesta minissérie em cinco edições, Robert Rodi (roteiro), John Higgins e Sandu Florea (arte e arte-final) criam uma missão focada em seis vilões e cujo objetivo é retirar das mãos da IMA um famoso “Disco de Identidade”, onde estão guardadas todas as informações sobre os heróis dos Estados Unidos. Convenhamos que não é uma premissa absurdamente interessante ou, a rigor, nova, mas é uma mola forte o bastante para colocar esses personagens juntos, lutando, apanhando e sofrendo por um mesmo objetivo.

Quem entra em contato com Dentes-de-Sabre, Abutre, Fanático, Deadpool, Mercenário e Homem-Areia para este trabalho é a misteriosa Valerie Merrick, que está a serviço de alguém ainda mais misterioso e perigoso, o lendário chefe de máfias ao redor do mundo, Tristram Silver. Como se trata de uma história de vilões, demora algum tempo até que o leitor consiga pegar de fato o espírito da coisa, embora eu tenha impressão de que isso se deva pelo princípio narrativo utilizado, que é uma narração out, algo que só descobriremos do que se trata no final da história. Isso não chega a confundir, mas não é exatamente a melhor coisa que temos como costura do texto.

O que realmente chama a atenção aqui é “a ideia que tem tudo para dar errado“, ou seja, a chantagem para os seis personagens trabalharem juntos. Mesmo que nem todos aqui sejam de fato vilões, o crime é a linha principal do roteiro e não há nenhum herói no meio do caminho para impedir o que está acontecendo. Isso nos tira a preocupação de um plano interrompido e um história cortada por intervenção boba vinda de fora. O que de fato acontece é que o plano vai até o fim, embora não exatamente como os contratados imaginavam. No meio do processo, a aventura traz diálogos cômicos (especialmente vindos de Deadpool, claro), uma série de alfinetadas e uma tentativa de contra-ataque da equipe para passar a perna em Tristram Silver ou pelo menos conseguir se livrar do objeto de chantagem, tudo isso sem sucesso.

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Ao fim da saga, o autor quis deixar a narrativa bem mais intricada e cheia de traições em cima de traições; mistérios encobrindo mistérios, e acabou esvaziando um pouco aquilo que poderia ser algo simples, mas objetivamente interessante, especialmente porque estamos lidando com um crime que deixa promessas para o futuro — no caso do Disco de Identidade e da persona de Tristram Silver. Mesmo com ressalvas, eu gostei do desfecho com o Abutre, mas o epílogo simplesmente derrubou o restante da paciência que eu estava tendo com os últimos pontos. Claro que a leitura é válida, tem momentos divertidos e cheios de boa ação, além de uma ótima arte, mas a tentativa do roteirista em fazer um “mega-plano-de-gênio-do-crime” acabou enfraquecendo a saga como um todo, caindo em exposição ou “entrega demais” num momento onde apenas sugestões seriam o suficiente.

Segredos (Identity Disc) — EUA, 2004
No Brasil: Panini, 2017
Roteiro: Robert Rodi
Arte: John Higgins
Arte-final: Sandu Florea
Cores: Estudio Fenix, Andrew Crossley
Letras: Dave Sharpe
Capas: Tony Harris, Mike Deodato Jr., Andy Brase
Editoria: Warren Simons
124 páginas

Crítica | Thor (2020) #1: O Rei Devorador – Parte Um, O Inverno Negro

Jason Aaron revolucionou Thor em seu longevo run do personagem entre 2012 e 2019 e sua anunciada saída e substituição por Donny Cates, meu roteirista favorito da Marvel Comics no momento, foi ao mesmo tempo uma notícia triste e alvissareira. Dificilmente Cates conseguirá fazer algo do mesmo nível, mas, se tem alguém que pode chegar lá é ele, nem que seja por intermédio de seus famosos exageros. No entanto, a grande verdade é que eu somente iria fazer a crítica da nova mensal de Thor, iniciada lá fora exatamente no dia 1º de dezembro, quando o primeiro arco acabasse. Mas eu acabei sucumbindo à tentação e não foi por uma razão muito digna: fiquei com extrema raiva da nova aparência do Deus do Trovão.

Portanto, eu simplesmente precisava desopilar o fígado e falar sobre isso logo e é assim que começarei essa crítica: que coisa esteticamente horrível fizeram com Thor aqui. Jason Aaron passou sete anos transformando o personagem em uma alma torturada, carregando o peso de nove reinos nos ombros, algo que tirou sua dignidade e custou um de seus olhos e um de seus braços, além de lhe deixar com a aparência de um guerreiro viking de lenda, todo barbado e com aparência mais velha. Eis então que vem Nic Klein e desfaz tudo, retornando Thor à sua aparência jovial com direito a cabelos longos de anúncio de xampu, tiara e um uniforme “galático” cheio de luzinhas que é desapontador. E mais: Thor, agora, tem dois olhos e dois braços também.

Ah, eu sei que muita gente dirá que isso é temporário, só enquanto Thor é um arauto de Galactus, transformação que é todo o objetivo dessa primeira edição, mas, muito sinceramente, era necessário mesmo essa reversão? Não bastava um Mjölnir todo brilhante e mega-poderoso para representar a fusão do poder asgardiano com o de Galactus? Era mesmo necessário mudar toda a aparência tão cuidadosamente construída – ou seria destruída? – por Aaron?

Mas calma! Eu não nasci ontem e sei que algo assim aconteceria mais cedo ou mais tarde. Além disso, já sou crescidinho o suficiente para saber separar meu descontentamento pessoal dos méritos da história sendo contada. E toda essa minha choradeira acima é só isso mesmo, uma choradeira. Eu tenho esse direito, afinal de contas, especialmente depois que vocês lerem o que vem depois desses dois pontos: eu não levei essas alterações estéticas em consideração para chegar à minha avaliação final sobre essa edição. Viram só?

Falando nisso, a edição é soberba. Não só a arte de Klein em tudo que não é a mudança de Thor na última página é espetacular, como a abertura da edição, com o martelo de Thor viajando por oito reinos só para derrubar um monstrão em Midgard e ajudar os Vingadores é o típico trabalho exuberante que Cates escreve, com direito até mesmo ao Homem de Ferro mandando um recado para seu colega com uma canetinha.

Além disso, a introdução discreta de um problema com Thor e sua capacidade de levantar o martelo empresta um tom solene e misterioso à narrativa que serve de preâmbulo para outro grande momento exagerado de Cates: a chegada arrasadora de Galactus em Asgard, simplesmente massacrando centenas (milhares?) de pessoas que estavam reunidas para ouvir o primeiro discurso de Thor como Pai de Todos. Segue a isso uma profecia sobre a chegada do tal Inverno Negro do título da HQ que, aparentemente, foi responsável pela destruição do universo original de Galactus, a reunião dos arautos mais recentes do Devorador de Mundos (inclusive o Motoqueiro Fantasma Cósmico) e a triunfal chegada do Surfista Prateado, agora todo preto como vimos na deslumbrante minissérie Surfista Prateado: Black, do próprio Cates. Pronto. Tudo o que precisamos para um potencialmente incrível arco narrativo está presente aqui nesse triunfal (re)começo para Thor.

Agora, só nos resta aguardar mais desse Thor reformulado por Cates e Klein e torcer para que o visual de modelo de xampu seja realmente temporário, revertendo à pegada Viking alguma hora. Como não tenho muita razão para duvidar da capacidade de Cates, que só vem acertando em tudo que faz para a Marvel, então estou tranquilo, especialmente depois de ter falado o que tinha que falar da nova estética emo do Deus do Trovão.

Thor (2020) #1: O Rei Devorador – Parte Um, O Inverno Negro (Thor #1: The Devourer King – Part One, The Black Winter, EUA – 2020)
Roteiro: Donny Cates
Arte: Nic Klein
Cores: Matthew Wilson
Letras e design: Joe Sabino
Capa: Olivier Coipel, Laura Martin
Editoria: Sarah Brunstad, Wil Moss, C.B. Cebulski
Editora original: Marvel Comics
Data original de publicação: 1º de janeiro de 2020
Páginas: 34

Crítica | A Mulher-Hulk Vive! (Savage She-Hulk #1, 1980)

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A Mulher-Hulk (She-Hulk/Jennifer Susan Walters) está la lista de “criações tardias” de Stan Lee, que ao lado de John Buscema (nos desenhos), trouxe a personagem à luz na revista Savage She-Hulk Vol.1, que chegou às bancas com data de capa de fevereiro de 1980. A heroína já nasceu em sua própria revista — algo não muito comum de acontecer, especialmente com personagens femininas — porque a Marvel Comics tinha medo de que a série A Mulher Biônica (The Bionic Woman) acabasse utilizando, mais cedo ou mais tarde, um conceito que pudesse ser informalmente resumido como “uma versão feminina do Hulk“. Se a editora tivesse uma personagem que DE FATO fosse essa versão, acabariam os seus problemas com detenção de direitos nesta seara.

Assim nasceu a personagem Jennifer Walters, uma advogada criminal que vive em Los Angeles, Califórnia. Nessa história, ela recebe uma inesperada visita do primo Bruce Banner, atormentado pela perseguição policial e por manter o segredo de quem ele realmente é, algo colocado pra fora em uma rápida e narrativamente conveniente confissão para a prima, uma parte do roteiro que mesmo ocupando apenas uma página, quebra o ritmo e não faz exatamente bem à introdução de quem realmente importa aqui.

O roteiro de Stan Lee não foge ao estilo simples, com sustentação de um segredo dramático ou um choque de transforação/uso de poderes para uma sequência de ação futura, normalmente intercalada por outras de cenário mais calmo ou por reflexões sobre o indivíduo em cena, como ocorre nesta aventura. Na primeira parte, após estabelecer os problemas de Banner, o roteiro nos mostra um forte laço entre o Verdão (apelidado de “Doc”) e a prima, que está defendendo um caso que põe sob holofotes o bandido Nick Trask. Trata-se de uma história de máfia como linha coadjuvante, com um bom desenrolar de acontecimentos (salvo poucos obstáculos) até a sequência do tiroteio. A questão é que as conveniências começam a aparecer aos borbotões e então fica bem difícil lidar com elas.

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Por mais que o leitor pense: “ele não vai fazer isso! Ele não pode!“, Bruce realmente realiza a transfusão de seu sangue para a prima, que estava com muita perda e, dentro de uma justificativa que vai convencer alguns e outros não, não chegaria a tempo no hospital. Está dada a motivação para que Jennifer se transforme na Mulher-Hulk, realmente muito selvagem em sua primeira transformação — embora inteligente, o que não acontecia com o primo, no começo –, quando os bandidos vão até o hospital terminar o trabalho. Como disse, é uma trama, de certa forma, detetivesca, mas cortada por blocos de dramas pessoais que simplesmente fogem àquilo que uma história assim necessita, especialmente no reticente e insatisfatório final. É preciso ter bastante curiosidade para ver o que a Mulher-Hulk vai fazer em seguida. Talvez a perspectiva de que não será Stan Lee e sim David Kraft quem escreverá os roteiros, talvez, ajude em algo. O fato é que surgia aqui uma personagem que ainda protagonizaria muitas histórias boas no futuro. Isso já é um conforto.

Savage She-Hulk #1: The She-Hulk Lives (EUA, fevereiro de 1980)
No Brasil: RGE (1982), Salvat (2016), Salvat (2018)
Roteiro: Stan Lee
Arte: John Buscema
Arte-final: Chic Stone
Letras: Joe Rosen
Capa: John Buscema, Irv Watanabe
Editoria: Tom DeFalco
24 páginas

Crítica | Marvels X #1

Era uma vez duas graphic novels clássicas da Marvel Comics com envolvimento direto de um dos maiores nomes dos quadrinhos: Alex Ross. Marvels contava a história do Universo Marvel a partir do ponto-de-vista de um fotógrafo e Terra X imaginava um futuro distópico em que todos os habitantes do planeta ganharam poderes. Corta para 2019 e, como parte das extensas comemorações de seu 80º aniversário, a editora trouxe Alex Ross primeiro juntamente com Kurt Busiek para escreverem um singelo epilogo para Marvels e, agora, com Jim Krueger para uma minissérie em seis edições que preludia Terra X. Mas, diferente de Marvels: Epílogo, em Marvels X Ross ficou só nas ideias e não arregaçou as mangas para desenhar as páginas da história, apenas as capas, trabalho que ficou ao encargo de Well-Bee, nom de plume de Velibor Stanojevic.

E a singeleza das ideias que vemos na primeira edição da nova minissérie é quase desconcertante de óbvia e eficiente: Marvels X, como o título dá a entender, reúne Marvels com Terra X. Como? Muito simplesmente elegendo um personagem novo, o garoto David, como o ponto-de-vista pelo qual vemos o mundo pré-Terra X ser transformado pelas Névoas Terrígenas. Aquilo que Ross imaginou e Krueger escreveu na maxissérie de 1999-2000 ganha um começo, algo como o que Fear the Walking Dead deveria ter sido para The Walking Dead, por assim dizer. Exatamente como o fotógrafo de Marvels, David é fascinado por super-heróis, especialmente o Homem-Aranha, Capitão América e Homem de Ferro e, quando a história começa, nós o vemos brincando com recortes de ppel dos personagens enquanto sua família assiste, apreensiva, a notícias na televisão sobre uma epidemia que vem criando crostas nas peles dos humanos como o início do processo de formação de um casulo que revela novos poderes para cada um.

Mas Krueger não investe muito tempo nesse comecinho da infestação e logo estabelece um elipse em que vemos David, algum tempo depois, cuidando de sua irmã e de sua avó – a primeira desenvolvendo poderes e a segunda ficando enclausurada em um semi-casulo – à base de sucrilhos que consegue com uma vizinha que quase que completamente transformara-se em uma árvore falante. David, porém, permanece imaculado, completamente normal diante do inferno que o mundo ao seu redor transformou-se, com as pessoas usando seus novos poderes para basicamente reverter a um estado mais primal e selvagem. Aparentemente, o jovem é imune às Névoas Terrígenas e não entende o porquê, sofrendo por ser o único diferente onde mora e por ter, da noite para o dia, se transformado em chefe de uma família em frangalhos.

Como toda primeira edição, o objetivo é apresentar esse novo status quo – que, aliás, funciona até mesmo para quem não leu Terra X – e sedimentar David como o protagonista com quem o leitor pode facilmente identificar-se. O texto de Krueger é fácil de ler e foge completamente do didatismo que, aliás, marca Terra X, até porque o roteirista não precisa entrar nos porquês das transformações, algo perfeitamente justificado pela manutenção do foco em David e no que ele entende do mundo ao seu redor. Por outro lado, aqueles que leram Terra X podem achar estranho esse início abordado quase que como uma praga zumbi, uma vez que a situação na maxissérie está absolutamente controlada e normalizada. Claro que temos que levar em consideração que a história clássica se passa 20 anos depois do começo da epidemia, mas, mesmo assim, será importante que, de algum jeito, Krueger faça a ponte entre o que vemos aqui e  o que pode ser testemunhado em Terra X, pois a diferença é muito grande.

A arte de Well-Bee é bem diferente tanto da de Alex Ross em Marvels quanto da de John Paul Leon em Terra X, ficando em um meio-termo que faz pleno sentido. Não há nada das cores e traços vibrantes de Ross, mas também não há os aspecto sombrios de Leon. O que vemos é um garoto lidando com seríssimos problemas de maneira esperançosa, procurando a ajuda dos super-heróis que tanto ama e em quem tanto confia, elemento que dá azo ao que parece ser uma viagem até Nova York, com a ajuda de um misterioso caminhoneiro de tatuagem flamejante no braço que aparece para salvá-lo de uma enrascada. Well-Bee trabalha com vagar os detalhes desse universo, mas mantendo um ar de inocência sempre presente, algo que suas cores fazem sobressair constantemente como um raio de esperança nos olhos do pequeno jovem sem poderes em um mundo em que todos têm habilidades especiais.

Marvels X, pelo menos nessa sua primeira edição, funciona muito bem como uma homenagem de aniversário a duas das mais importantes graphic novels da editora e como uma história de méritos próprios que captura de imediato o leitor. Será sem dúvida muito interessante ver o que Krueger e Ross planejaram para o jovem David em sua desesperada busca por seus super-heróis favoritos.

Marvels X #1 (Idem – EUA, 2020)
História: Alex Ross, Jim Krueger
Roteiro: Jim Krueger
Arte: Well-Bee
Letras: Cory Petit
Capa: Alex Ross
Editoria: Shannon Andrews Ballesteros, Alanna Smith, Tom Brevoort, C.B. Cebulski
Editora original: Marvel Comics
Data original de publicação: 08 de janeiro de 2020
Páginas: 31

Crítica | Terra X

É muito interessante ter tido a experiência da leitura de Terra X quando de seu lançamento entre 1999 e 2000 e da releitura, agora, para a elaboração da presente crítica. E a razão é muito simples: a criação de Alex Ross (em uma entrevista para a Wizard que esgotou-se rapidamente) que foi desenvolvida por Jim Krueger, com arte de John Paul Leon pode ser vista, em retrospecto, como um grande repositório de ideias que seriam garimpadas e aproveitadas pela Marvel Comics nos 20 anos seguintes, quase que literalmente servindo de base para toda a origem reimaginada de seu universo em quadrinhos.

Mas não se enganem, pois Terra X, assim como suas continuações Universo X (2000 e 2001) e Paraíso X (2002 e 2003), além do prelúdio Marvels X, de 2020, não se passa no universo principal da editora, o dito Terra-616, mas sim no alternativo Terra-9997, ainda que o leitor moderno verá que muita coisa – mas muita coisa mesmo – foi aproveitada no universo principal, do casamento do rei T’Challa com Ororo Munroe, passando pelo Vigia cego, pela Névoa Terrígena sendo espalhada sobre o planeta e pelo Thor mulher, e chegando até a semente Celestial que é base para a narrativa e que explica a grande quantidade de seres poderosos que existem por aqui, o que automaticamente deixa evidente a importância dessa maxissérie em 15 edições para as engrenagens marvelianas. É como se Ross e Krueger tivessem criado um baú do tesouro (seria o X uma indicação sub-reptícia disso?) para ser escavado e suas riquezas usadas como alimento narrativo por décadas a fio, algo raro de se ver por aí mesmo em editoras mainstream.

Mas Terra X, apesar de inestimável, não é sem problemas e o maior deles, inseparável dos comentários críticos como um todo, é ter uma história que, apesar de extremamente ambiciosa, talvez se mostre “simples” demais para justificar mais de 400 páginas para ser desenvolvida. Notem, por favor, as aspas, pois simples talvez não seja o adjetivo correto. A questão é que o leitor moderno, justamente por já ter acompanhado o desenvolvimento do Universo Marvel nas últimas duas décadas, terá uma enorme facilidade em capturar os conceitos trazidos pela série que bebem de maneira generosa de Os Eternos, de Jack Kirby, série mensal que só teve 19 números entre 1977 e 1978, mas que também trouxe uma vastidão de ideias interessantes, mas mal utilizadas por lá.

Nesse futuro distópico de Terra X, Aaron Stack, o Homem-Máquina (não coincidentemente criado por Kirby na mensal spin-off de sua adaptação de 2001 – Uma Odisseia no Espaço), é teletransportado até a área azul da Lua por Uatu, o Vigia de nosso planeta (também uma co-criação de Kirby) que, como descobrimos, foi cegado por um alguém misterioso há 20 anos e que por todo esse tempo não consegue mais observar a Terra. Estripado de todos os traços físicos de sua humanidade, Stack é, então, transformado por Uatu no novo Vigia e, a partir de suas observações e diálogos com Uatu, o leitor começa a também observar o planeta e a entender o que aconteceu nesse tempo em que não só os heróis, mas toda a população passou a ter super-poderes.

Esse ponto-de-vista narrativo é o grande achado de Krueger, pois permite que diversas linhas narrativas convergentes sejam analisadas quase que simultaneamente, trabalhando não só personagens bem estabelecidos no cânone da editora – notadamente o Capitão América, Reed Richards e Tony Stark – como introduzindo uma pletora de outros, como a nova versão imortal do Demolidor (ou seria o Deadpool?), uma fusão de May Parker com Venom, os Vingadores de Ferro e um poderosíssimo jovem telepata que se autodenomina Caveira e usa como símbolo uma caveira vermelha, automaticamente transformando-o no grande vilão “mundano” da narrativa, em oposição direta a Steve Rogers, claro. E isso sem contar com as diversas versões alteradas dos heróis que conhecemos, com o Pantera Negra com cabeça de pantera, Namor com metade do corpo em eterna incandescência e assim por diante, tudo com as devidas explicações.

No entanto, são essas “devidas explicações”, normalmente fruto das conclusões de Aaron Stack ao tornar-se o novo Vigia, que pecam pelo didatismo extremo. O que começa como um mistério trancafiado a sete chaves vai sendo lentamente aberto e, quando as portas são escancaradas lá pela metade da história, o leitor acaba sendo tragado para um esmiuçamento detalhado demais e, talvez, redundante demais de tudo o que foi visto antes, em um eterno movimento de cachorro correndo atrás do rabo que cansa um pouco. Sim, Krueger faz de tudo para “renovar” a história, alterando as pessoas com quem Stack conversa e incluindo personagens B como John Jonah III, filho de JJJ, astronauta e lobisomem e figurões como Reed Richards, agora usando a armadura do Doutor Destino e culpando-se por todos os males do mundo, mas esse esforço, apesar de ter grande mérito, não altera o fato de que o roteiro dá voltas demais para chegar a um ponto que fica muito claro já na metade do caminho. De toda forma, é importante ler os “apêndices” de cada edição, já que neles muitas revelações são feitas, além de alguns resumos interessantes para quem porventura sentir-se perdido.

O lápis de John Paul Leon, casado com a arte-final de Bill Reinhold e as cores de Matt Hollingsworth emprestam um ar sóbrio e sombrio à narrativa, algo que combina sobremaneira com a pegada quase niilista da história que vai sendo desenvolvida na medida em que Stack passa a entender o jogo cósmico em que a Terra está envolvida. É alvissareiro notar que a equipe artística não caminhou pela estrada mais fácil de visuais coloridos e vistosos somente para chamar atenção e sim trafegou por um lado que muitas vezes chega a ser até desagradável, como  é a própria versão “transparente” do Homem-Máquina ou a forma como o Vigia é abordado. Por outro lado, Leon, com seus traços simples, mas fortes, soube reimaginar todos os grandes heróis clássicos da editora, trazendo novas versões interessantíssimas, especialmente nos casos de Steve Rogers, Reed Richards, Tony Stark e Peter Parker. Minha única ressalva é um pouco da preguiça em simplesmente transformar alguns personagens em seus avatares animais, como é o caso de T’Challa ser agora uma pantera ou JJJ ser um cavalo (he, he, he…), mas não é nada grave.

Terra X é como a Teoria de Tudo materializada nos quadrinhos: consegue, em um esforço hercúleo, recontar e unificar o Universo Marvel em uma história coesa que explica tudo, mas que, porém, peca por mastigar demais seus conceitos. É, sem dúvida alguma, um tesouro marveliano que merece ser revisitado de tempos em tempos, mesmo que seu tamanho seja assustador e mesmo que todas as suas grandes ideias já tenham sido aproveitadas pelo Universo Marvel ao longo de todo esse tempo.

Terra X (Earth X, EUA – 1999/2000)
Contendo:
Earth X #0 a 12, Earth X #X e Earth X #1/2
Roteiro: Jim Krueger (baseado em criação de Alex Ross)
Arte: John Paul Leon
Arte-final: Bill Reinhold
Cores: Matt Hollingsworth
Letras: Todd Klein
Capas: Alex Ross
Editora original: Marvel Comics
Data original de publicação: março de 1999 a junho de 2000
Editora no Brasil: Panini Comics
Datas de publicação no Brasil: outubro de 2009 e agosto de 2017
Páginas: 403

Crítica | O Que Aconteceria Se… o Mestre do Kung Fu Fosse um Fora-da-lei?

Doug Moench escrevendo sobre Shang-Chi, o Mestre do Kung Fu… vocês já sabem o selo que a gente precisa colocar numa história como esta, não é mesmo? Qualidade! O autor tem no currículo uma longa história com o personagem (coisa de pelo menos 100 roteiros para a Master of Kung Fu, série principal do lutador) e não foi à toa que Roy Thomas, à época editor da What If…, chamou o autor para escrever essa versão alternativa do personagem, que se passa na China e no Reino Unido da Terra-79816.

Inicialmente temos uma boa revisão dos passos originais de Shang-Chi em nossa realidade, mostrando como ele se soltou das garras do pai (Fu Manchu) e passou a lutar por ideais de justiça. Nesta nova realidade, o Vigia nos mostra uma mudança específica na noite em que o Dr. James Petrie é assassinado, e as coisas se seguirão de maneira bem diferente até o ato final, quando o espírito e a mente bem educados de Shang-Chi resolvem colocar para fora aquilo que guardavam há bastante tempo sobre as atividades de Fu Manchu: críticas, perguntas e negação das ordens infames vilão.

É claro que lidamos também com uma boa dose de absurdo nessa aventura, especialmente na invasão do palácio de Buckingham, com a tentativa de sequestro da Família Real e, claro, a dominação o Reino Unido. Mas essa estranheza não está aqui por si só e nem é a coisa que mais atenção nos chama nessa história. O conceito que o autor traz para esse tipo de invasão tem algo para além da loucura. Tem um princípio anti-imperialista que, em um estágio final, pretende resgatar a glória da China, acabando com o comunismo e instalando um outro tipo de ditadura. Isso fica claro porque Fu Manchu não tem intenção alguma de guiar qualquer outro governo que não seja com ele eternamente à frente, assim, em um recorte político mais específico, seria apenas a passagem de um regime totalitário para outro.

PLANO CRÍTICO O Que Aconteceria Se… o Mestre do Kung Fu Fosse um Fora-da-lei QUADRINHOS

Um discurso coerente pela vida.

Além dessas interessantes discussões políticas com toques de “cientista louco“, temos uma ótima organização da trama em termos de ritmo. A arte de Rick Hoberg aborda muito bem a interação das lutas e fugas com momentos de reflexão ou cenas mais calmas, garantindo uma leitura o tempo inteiro curiosa pelo que pode acontecer com os personagens. Além disso, os embates são muitíssimo bem pensados e o cenário é colocado de maneira inteligente como parte dos entraves entre mochinhos e bandidos — exceto em alguns quadros da invasão ao Palácio Real, onde reina a bizarrice. Uma coisa que me fez rir muito no decorrer das páginas foi o fato de que a arte e a arte-final (esta a cargo de Bill Wray e Dave Stevens) exibem todos os personagens de modo aplaudível (especialmente Fu Manchu), mas Shang-Chi é majoritariamente representado de forma displicente, muitas vezes parecendo uma pessoa completamente diferente de um quadro para outro.

Quando a grande virada moral da história acontece, o leitor consegue entender perfeitamente os motivos do protagonista e acompanha com gosto as justificativas e a forma como essa nova realidade vem à tona. Sua visão de preservação da vida é muitíssimo coerente, como se pode ver na página que destaco aqui no corpo do texto, uma das coisas mais legais que já encontrei num quadrinho falando sobre esse tema e que, como se sabe, podemos atribuir a assuntos correlatos bastante complexos e que muitas polêmicas geram em nossos dias. Uma fantástica saga de luta e reavaliação moral.

What If? Vol.1 #16: What If Shang-Chi, Master of Kung Fu, Had Remained Loyal to Fu Manchu? (EUA, agosto de 1979)
No Brasil:
 Heróis da TV 2ª Série – n°27 (Editora Abril, 1981)
Roteiro: Doug Moench
Arte: Rick Hoberg
Arte-final: Bill Wray, Dave Stevens
Cores: Roger Slifer
Letras: Joe Rosen
Capa: Rick Hoberg
Editoria: Roy Thomas
30 páginas

Crítica | O Incrível Hulk #179: Volta o Elo Perdido

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Esta edição da Incrível Hulk Vol.1 traz de volta um antigo inimigo, já referenciado no título e que conheceu o Hulk nas edições #105 e 106 dessa mesma revista. Nos bastidores, não um retorno, mais uma estreia. A partir daqui, Len Wein comandaria os roteiros da série mensal até o número 222, um período de quatro anos com muitas histórias e uma nova cara para as sagas do Golias Verde.

No presente enredo, temos essencialmente uma continuação para a edição anterior, curiosamente chamada de Triunfo na Terra-Dois, uma história com Adam Warlock, cujas consequências se veem aqui: o Recorder 211 (Analyzer) coloca o Hulk em um foguete e direciona o Monstro para a sua Terra original, tendo aí o gancho que dará início a mais uma história, com a já conhecida realidade de troca de corpos + não adequação e surpresas de transformação que o Hulk originalmente apresenta, ganhando, nas mãos de Wein, uma toada mais sentimental  — e no presente caso, familiar.

O bom dessa edição — e é interessante notar que este é um dos temas recorrentes na obra de Len Wein — é que vemos um tratamento diferente dado aos monstros, bem como uma problematização da própria condição, vindo basicamente de uma premissa de relacionamentos fraternos, por incrível que pareça. Primeiro, o Elo Perdido (Lincoln) é integrado à família Brickford, o que já mostra um caráter de máxima humanidade desses indivíduos, colocando em casa alguém com uma estranha (para dizer o mínimo) aparência e completamente perdido. O texto brinca um pouco com o nome do lugar e com a apresentação da família central. Imaginamos brevemente se o povo de Lucifer Falls não está ligado a algum tipo de ação maligna, um culto ou seita… mas não. O texto permanece focando na humanidade e, dela, passa para a esperada e explosiva relação entre os brutamontes.

plano critico retorna o elo perdido hulk vol.1 len wein quadrinhos

O miolo da história, na base do Exército e em torno do General Thaddeus “Thunderbolt” Ross, somado às questões militares, estão aqui apenas para contextualizar o entorno e criar âncoras para o retorno de Bruce Banner ao seu meio social, por assim dizer. Todavia, esse lado não apresenta nada de interessante para a saga, muito pelo contrário, é uma das partes chatas da revista que a gente não vê a hora que passe rápido, para voltarmos ao lugar que realmente interessa aqui.

Infelizmente, a finalização adota uma certa facilidade ao mostrar o “histórico futuro” do envenenamento por radiação causado por Lincoln, contudo não é exatamente uma decisão ruim do roteirista. Ela apenas é rápida demais e aparece em um contexto de cosias muito mais trabalhadas, por isso que destoa e causa estranheza (negativa), minimizando um pouco a qualidade da trama. Mas a estreia de Len Wein à frente da Incrível Hulk se mantém muito acima da média, com um trabalho de “encontro de gigantes” que não prioriza a força e sim os sentimentos. Um baita começo.

Incredible Hulk Vol.1 #179 (EUA, setembro de 1974)
No Brasil:
O Incrível Hulk #21 (RGE, 1980)
Roteiro: Len Wein
Arte: Herb Trimpe
Arte-final: Jack Abel
Cores: Glynis Wein
Letras: John Costanza
Capa: Herb Trimpe
Editoria: Roy Thomas
24 páginas

Crítica | Shang-Chi, o Mestre do Kung Fu (Special Marvel Edition #15 e 16)

plano crítico Crítica _ A Origem de Shang-Chi, o Mestre do Kung Fu!

As duas edições que trago aqui à discussão (números #15 e 16 da revista Special Marvel Edition) marcaram as primeiras aparições de Shang Chi, o Mestre do Kung Fu nos quadrinhos. Com roteiro de Steve Englehart e arte fantástica de Jim Starlin e Al Milgrom, essa estreia nos mostra um personagem complexo na medida certa, sem nenhum arroubo melodramático em sua história de origem (que não é bem lá uma história de origem, no sentido de nos mostrar todo o processo que o levou a se tornar Shang-Chi: a mudança que ocorre com ele aqui é moral, de devoção e lealdade) e com habilidades de luta fascinantes.

A criação do lutador começou a circular pelo escritório da Casa das Ideias no final de 1972, após o sucesso dos três primeiros episódios da série Kung Fu, que estreou em fevereiro daquele ano e teve mais dois episódios exibidos no final do segundo semestre. No pacote de elementos criativos, os autores pensaram em elencar semelhanças do protagonista com Bruce Lee (óbvio), mas isso só seria realmente aplicado na arte a partir da edição #18 da revista solo do protagonista (numeração cumulativa da antiga Special Marvel Edition, renomeada The Hands of Shang-Chi, Master of Kung Fu) sob os desenhos de Paul Gulacy.

O contexto para o personagem principal é intimista, familiar, baseado em um código de honra e conduta que expõe o discípulo a uma servidão inquestionável diante de seu Mestre, nesse caso, o próprio pai: Fu Manchu, personagem pulp de Sax Rohmer para o qual a Marvel conseguiu os direitos de uso. Fu Manchu apareceu pela primeira vez no conto The Zayat Kiss (outubro de 1912) e teve sua primeira publicação de grande alcance no ano seguinte, com o romance O Mistério do Dr. Fu-manchu, coletânea de diversos contos do personagem. Sua colocação no roteiro de Steve Englehart é poderosa, misteriosa, faz jus ao respeito/temor/dominação que exerce sobre as pessoas e cria um impacto bem maior quando Shang-Chi resolve se livrar dele, após descobrir que pessoa de fato era este seu pai.

plano crítico Crítica Shang-Chi, o Mestre do Kung Fu! (Special Marvel Edition #15 e 16) plano crítico

A chegada do conhecimento para Shang-Chi tem um caráter filosófico, reflexivo, mas em nenhum momento a ação abandona essas duas revistas para dar lugar exclusivo a linhas existencialistas no texto. Na edição #15 vemos o motivo pelo qual o jovem de 19 anos rompe laços com o pai e na edição #16 vemos uma consequência imediata disso, ou seja, a sua vida em Nova York após abandonar a morada de Fu Manchu e seu encontro com o único amigo que tinha até então, Midnight (M’Nai), cuja tragédia aparece como mais um capítulo de horrores para a vida do protagonista. Nas duas tramas ele se engaja em lutas incríveis e a arte de Jim Starlin explora a sua movimentação pelo ambiente, a perspectiva em relação aos cenários e a sequência de golpes pelos quadros de maneira primorosa.

Essas edições iniciais apresentando o personagem são quase um tratado sobre como unir um conceito meio genérico de máfia — ligada a uma figura chinesa — e ao mesmo tempo colocar de maneira muito bonita valores relacionados às artes marciais e como elas podem guiar uma pessoa, não apenas na pancadaria, mas também no caráter e na visão de mundo, chegando a um resultado que não poderia ser outro: a escolha do caminho da justiça.

Special Marvel Edition Vol.1 #15 e 16 (EUA, dezembro de 1973, janeiro de 1974)
No Brasil:
 Kung Fu n°2, (Ebal, 1974), Mestre do Kung Fu n°1 (Bloch, 1975, ), Grandes Heróis Marvel 1ª Série – n°3 (Abril, 1984), Coleção Histórica Marvel: Mestre do Kung Fu n°1 (Panini, 2018).
Roteiro: Steve Englehart
Arte: Jim Starlin
Arte-final: Al Milgrom
Cores: Steve Englehart
Letras: Tom Orzechowski
Capas: Jim Starlin, Al Milgrom
Editoria: Roy Thomas
48 páginas

Crítica | Star Wars: Os Últimos Jedi (Marvel Comics)

Espaço: D’Qar (base da Resistência), D’Qar (órbita), Ahch-to, Cantonica (Canto Bight), Crait, Frota Imperial, Frota da Resistência
Tempo: 34 d.B.Y.

Todos os longas-metragens da franquia Star Wars já ganharam adaptações em quadrinhos. Isso é tradição desde 1977, quando a Marvel Comics inaugurou a extremamente bem sucedida publicação mensal com uma bela versão em quadrinhos de Uma Nova Esperança em seis edições que foi seguida de dezenas de outros números que oficialmente começaram o tão querido Universo Estendido. No entanto, com o tempo e com o sucesso da Trilogia Original, essas adaptações tornaram-se cada vez mais escravas de suas respectivas versões cinematográficas, sem espaço para que os autores inserissem seu toques pessoais.

Com isso, as transposições dos filmes para os quadrinhos perderam muito de sua força original durante a Era Dark Horse Comics, com o mesmo valendo para a volta da franquia para a Marvel. Mesmo assim, em linhas gerais, os trabalhos de adaptação nessa galáxia muito, muito distante são acima da média, demonstrando um cuidado bem maior do que outras adaptações modernas de obras cinematográficas. O Despertar da Força ganhou uma minissérie correta por Chuck Wendig e Rogue One uma adaptação bem acima da média por Jody Houser. Depois do lançamento do polêmico e divisivo Os Últimos Jedi, foi a vez de Gary Whitta, que já roteirizara alguns episódios de Star Wars Rebels, tentar sua versão.

O resultado é mais um trabalho que não arrisca desvios do material fonte, permanecendo substancialmente confinado ao que é possível verificarmos no filme, sem tentar ir além ou aproveitar a oportunidade para mergulhar com mais profundidade na mente dos personagens que aborda. Claro que isso não é culpa de Whitta, já que tenho certeza que todo adaptador dos filmes segue um manual ditado pela produção do filme, sem poder desviar-se sem autorização prévia. Mas isso nem de longe é mortal para a narrativa, mas ela, claro, passa a depender mais fortemente da qualidade da obra original em si. Como sou um dos que fortemente defende Os Últimos Jedi, mesmo reconhecendo a existência de alguns problemas de ordem técnica (fiz comentários em forma de crônica, aqui), tenho para mim que a transposição para os quadrinhos funcionou bem, ficando, em termos qualitativos, entre as HQs O Despertar da Força e Rogue One só para fins de comparação.

A narrativa é fluida e Whitta consegue resumir bem os diálogos e eventos do roteiro de Rian Johnson nas seis edições que compõem a minissérie, consistentemente mantendo a voz dos personagens conforme o diretor e roteirista imaginou. Há alguns poucos diálogos e frases que vão além do filme, mas que nada realmente acrescentam à narrativa. Além disso, um dos problemas de Os Últimos Jedi – a montagem falha que torna a temporalidade dos eventos em Ach-to e na órbita de Crait, com a aventura em Canto Bight no meio – é suavizado na minissérie, permitindo transições menos bruscas e menos solavancos nas ações paralelas.

O que desaponta um pouco é a arte de Michael Walsh (Josh Hixson apenas trabalhou com Walsh na última edição) já que seu estilo normalmente mais “rabiscado” e que funciona bem em outras HQs que li, aqui parece corrido, quase um rascunho que foi aproveitado como obra final por falta de tempo para caprichar mais aqui e ali. As feições são muito duras, pouco emotivos e ele perde oportunidade para trabalhar imagens maiores e mais detalhadas de alguns dos momentos mais épicos. Nas sequências de pura ação, por outro lado, ele consegue manejar bem a movimentação dos personagens, algo que pode ser visto especialmente na luta de Rey e Kylo contra a guarda de Snoke depois que o Supremo Líder é morto. As cores de Mike Spicer, por sua vez, são bem escolhidas e aplicadas, mantendo a exata paleta do filme, mas emprestando um toque mais pessoal do artista.

A minissérie Os Últimos Jedi consegue cumprir bem sua função de colocar em quadrinhos todos os eventos do longa-metragem mesmo que Gary Whitta tenha que ter ficado preso ao que vimos nas telonas. Não é uma adaptação que maravilhará o leitor, mas é eficiente o suficiente para justificar sua leitura por aqueles que apreciam HQs baseadas em filmes.

Star Wars: O Despertar da Força (EUA, 2018)
Contendo:
 Star Wars: The Last Jedi #1 a #6
Roteiro: Gary Whitta (com base em roteiro de Rian Johnson)
Arte: Michael Walsh, Josh Hixson (#6)
Cores: Mike Spicer
Letras: Travis Lanham
Editoria: Heather Antos, Tom Groneman, Emily Newcomen, Jordan D. White, Mark Paniccia
Editora original: Marvel Comics
Data original de publicação: maio a setembro de 2018
Páginas: 148

Crítica | Star Wars #24 a 30 (Marvel – 1979)

Espaço: Espaço profundo, Yavin IV (superfície), Yavin IV (órbita), Centares, Junction, Orleon, Metalorn
Tempo: A Rebelião – Eventos imediatamente posteriores à Batalha de Yavin (0 d.BY)

Retornar ao começo do Universo Expandido de Star Wars é refrescante e fascinante, especialmente considerando a completa falta de material que existia à época sobre a saga além do primeiro filme. E, como se isso não bastasse, diferentemente de abordagens mais modernas, o material dessa era não era sempre dividido em arcos bem definidos de cinco ou seis edições, com histórias ocupando, na grande parte das vezes, no máximo duas edições, mas sempre contando uma história macro maior com edições que conversam umas com as outras.

Depois de separar Han Solo e Chewbacca de Luke Skywalker e Leia Organa no final da edição #24, Archie Goodwin dá um intervalo na saga maior e foca o número seguinte em Obi-Wan Kenobi, em uma história contada em forma de flashback por Leia, conforme ela ouvira de seu pai. Esse one-shot, batizado de Deriva Silenciosa, conta como um Kenobi já experiente, em uma viagem em um cruzeiro espacial até Alderaan, salva todo mundo de piratas espaciais usando sutilmente a Força para manobrar a nave e descobrir como eles foram descobertos em zona perigosa. É como um respiro entre as aventuras mais frenéticas dos heróis usuais da linha narrativa principal.

E é a ela que voltamos nas duas edições seguintes – #25 e 26 – que retorna a ação para Yavin-4, a base rebelde que quase foi salva por Luke ao final de Uma Nova Esperança. Na dobradinha O Cerco de Yavin e Missão Condenada, descobrimos que a base vem sofrendo uma série de ataques de tie-fighters que surgem do nada em sucessão, com os rebeldes cada vez mais perdendo homens e naves e sem saber revidar com eficiência. Cabe então a Luke e Leia, que estavam retornando de Centares, descobrir uma complexa trama que envolve o Barão Tagge, que conta com olhos cibernéticos depois que foi cegado por Darth Vader, desejoso de cair nas graças do Império, tentando derrotar os rebeldes de uma vez por todas lançando as naves inimigas a partir de sua nave mineradora e com o uso de uma gigantesca turbina para “fabricar” tempestades que camuflam os ataques. Há um certo exagero criativo, por assim dizer, em toda a progressão narrativa desse micro-arco, assim como pouquíssimo desenvolvimento de Tagge, que mais parece um daqueles vilões genéricos e extravagantes e que se diferencia por usar óculos que poderiam muito bem sair da coleção de Elton John.

A edição seguinte, #27, com o título O Retorno do Caçador, tem melhor sorte ao reintroduzir um dos melhores vilões desse começo de Universo Estendido e que seria reutilizado no novo cânone: Beilert Valnace, o caçador de recompensas cibernético que odeia androides introduzido um pouco antes, em Star Wars #16. Assim como Vader, ele procura o jovem “sem nome” que destruíra a Estrela da Morte, obtendo sucesso não só em descobrir o sobrenome de Luke, como também enfrentá-lo pela primeira vez em Junction, um entreposto muito parecido com Mos Eisley. A história é simples e tem C3P0 como parceiro de Luke, já que os dois procuram peças para reconstruir R2-D2, avariado no mini-arco anterior, algo que atiça a raiva de Valance por robôs em geral, mas que ao mesmo tempo mostra que o que ele sente é injustificado.

Saindo do núcleo Leia-Luke, a edição #28, O que Aconteceu a Jabba, o Hutt?, é peculiar por mais uma vez abordar o criminoso mencionado por Han Solo em Uma Nova Esperança e que, como sabemos hoje em dia, apareceria no filme original. Mas o Jabba dessa história não é aquela coisa nojenta que é relevada em O Retorno de Jedi, mas sim um bípede substancialmente humanoide, com apenas um rosto alienígena, com direito até a uma espécie de bigode, certamente bem menos ameaçador do que se esperaria, exatamente como visto em Star Wars #2. Novamente, o mote é simplicidade, com Han Solo e seu fiel escudeiro Chewbacca presos no planeta Orleon depois que Millenium Falcon é danificada. Lá, eles são cercados por Jabba e seus minions, mas os grandes vilões mesmo são cupins-de-pedra que destroçam todos e tudo que tocam e que infestam o local.

Encontro Negro, história da edição #29, coloca ninguém menos do que Darth Vader contra Beilert Valance – ciborgue contra ciborgue! – em uma luta para achar Tyler Lucian, um soldado rebelde que deserdara antes da Batalha de Yavin e que, agora, enfrenta o peso da culpa por sua covardia. Seu valor para Vader é que ele sabe o nome de Luke Skywalker. Trata-se de uma história surpreendentemente emocionante e até pesada sob o ponto de vista dramático, com uma bela pancadaria entre os vilões e um final que dificilmente seria repetido em uma HQ moderna voltada para o público infantil. É Archie Goodwin mostrando maestria na condução de uma história auto-contida.

Finalmente, encerrando 1979, a edição #30, Uma Princesa Sozinha!, conta uma missão de Leia ao planeta-fábrica do Império Metalorn, em que a população vive ignorante da existência da Rebelião. O Barão Tagge é novamente o vilão principal, mas a beleza dessa outra narrativa auto-contida é a missão da princesa, que é basicamente plantar a semente do descontentamento pelo jugo vilanesco do Império e não obter planos ou sequestrar pessoas como seria de se esperar. Mais uma história que surpreende por sua originalidade, mesmo que exagere no texto expositivo.

A arte de Carmine Infantino, muito provavelmente, causará estranhamento para o público moderno de Star Wars pela forma “livre” com que ele recria os adorados personagens. Chewbacca particularmente ganha um revisionismo enorme na forma como seu rosto é trabalhado e os demais personagens ganham feições levemente orientalizadas. Mas o mestre Infantino, exatamente por não ficar escravo às feições originais e por ter absoluta liberdade para trabalhar naves e novos personagens – lembrem-se: o Universo Estendido estava ainda em sua tenra infância aqui – entrega um trabalho intenso e belíssimo, com completo controle da fluência narrativa.

Mesmo considerando que todo esse passado remoto da franquia Star Wars foi “apagado” do cânone depois que a Disney comprou a Lucasfilm, em uma decisão polêmica, mas que eu considero acertada para fins comerciais e organizacionais, é interessante lembrar como esse universo já era rico em seu começo e como muita coisa que lemos aqui influenciou obras posteriores. A Força realmente estava com Archie Goodwin!

Star Wars #24 a 30 (Idem, EUA)
Roteiro: Mary Jo Duffy, Archie Goodwin
Arte: Carmine Infantino
Arte final: Bob Wiacek, Gene Day
Letras: Rick Parker, John Costanza, Joe Rosen
Cores: Petra Goldberg, Glynis Wein
Consultoria editorial: Jim Shooter
Editoria: Archie Goodwin
Editora (nos EUA): Marvel Comics
Data de publicação original: junho a dezembro de 1979
Editoras (no Brasil): Editora DeAgostini
Data de publicação no Brasil: julho e agosto de 2014 (encardenados Comics Star Wars Clássicos #3 e #4)
Páginas: 18 (por edição)

Crítica | Star Wars: Cidadela dos Gritos

Espaço: Horox III (base rebelde provisória), Cidadela de Ktath’atn (Cidadela dos Gritos)
Tempo: A Rebelião – Poucos meses após a Batalha de Yavin

Cidadela dos Gritos é o segundo crossover do universo em quadrinhos de Star Wars a partir do completo reboot feito pela Marvel Comics quando readquiriu a propriedade em 2015. Ao passo que A Queda de Vader, era composto por seis edições, este é composto por apenas cinco, uma dedicada que leva o nome do arco e que dá o pontapé inicial para a história e quatro outras edições dos títulos mensais, aqui no caso Star Wars (logo em seguida ao arco A Guerra Secreta de Yoda) e Doutora Aphra (logo em seguida ao arco Aphra). Em outras palavras, a editora segue seu interessante padrão (na linha editorial Star Wars, que fique claro!) de arcos específicos por vezes intercalados de crossovers bem estabelecidos e fáceis de acompanhar.

A Doutora Aphra, depois de furtar um cristal contendo a consciência de um Jedi milenar chamado Rur, conforme visto em seu primeiro arco, procura a ajuda de Luke Skywalker para destravar seu conteúdo. O objetivo é oferecer Luke como uma curiosidade biológica para uma misteriosa rainha que, uma vez por ano, recebe candidatos de toda a galáxia, escolhendo apenas um e, em troca, oferecendo literalmente qualquer desejo. É, convenhamos, uma premissa um tanto quanto exagerada e mística demais por parte de Kieron Gillen e Jason Aaron, fazendo da tal rainha um ser deveras superpoderoso, capaz de atender desejos e realizar sonhos dos mais aleatórios. Mas, se o leitor aceitar esse pulo de lógica, a história que segue sem dúvida diverte, já que, claro, a tal rainha e todos os seus súditos não são o que parece, escondendo um terrível e mortal segredo na Cidadela dos Gritos.

(1) Krrsantan sendo Krrsantan e (2) Luke “dançando” com a rainha.

O crossover funciona como uma fusão de Drácula, de Bram Stoker, com Alien, o Oitavo Passageiro, salpicada de pitadas de Indiana Jones (notadamente de O Templo da Perdição) graças à presença da sempre ótima – e mais do que trapaceira – Aphra e seus adoráveis androides assassinos, além do delicado Wookie de pelagem preta Krrsantan. Correndo atrás do que é percebido como o sequestro de Luke, Han Solo, Leia Organa e Sana Starros partem para Ktath’atn para salvar o ex-fazendeiro e aspirante a Jedi e acabam envolvendo-se profundamente nos terrores escondidos pela rainha maléfica e sua entourage de soldados de elite com design belíssimo. Em muitos aspectos, a história é uma grande correria repleta de reviravoltas que acaba trazendo a mente a estrutura dos clássicos desenhos do Scooby-Doo, mas, claro, sem a pegada franca de humor, ainda que o texto seja bem leve mesmo diante dos acontecimentos que se desenrolam em deixar a narrativa perder ritmo ou tornar-se morosa.

A arte varia bastante. A melhor delas fica logo no one-shot dedicado que abre o arco, já que o desenho ficou por conta de Marco Checcheto, que, depois, não retorna para a história a não ser nas capas. Seus traços são muito bonitos e fluidos, com todos os personagens muito bem recriados, além de ele ter um enorme cuidado com os panos de fundo e com a tecnologia empregada. Salvador Larroca, que desenha as duas edições de Star Wars, também é um destaque em seu trabalho, com traços talvez menos imponentes e um pouco mais joviais, mas que acrescentam energia à ação. Finalmente, Andrea Broccardo, que ficou responsável pelos dois números de Doutora Aphra, peca por forçar um fotorrealismo feio e completamente desnecessário aos rostos dos personagens e que ele, ainda por cima, faz questão de destacar com uma série de close-ups que assustam mais do que as ações da rainha maléfica.

Muito sinceramente, Cidadela dos Gritos não exatamente justifica a formalidade de crossover desse tipo que, mal ou bem, é sempre um evento de razoável importância ou, pelo menos, deveria ser. Enquanto A Queda de Vader trouxe uma história realmente relevante, aqui o que temos é, apenas, uma aventura divertida que, apesar de acabar em aberto, prometendo um segundo round, não empolga tanto quanto deveria.

Star Wars: Cidadela dos Gritos (Star Wars: Screaming Citadel – EUA, 2017)
Contendo (na ordem de leitura):
 Screaming Citadel #1, Star Wars #31, Doctor Aphra #7, Star Wars #32, Doctor Aphra #8
História: Kieron Gillen, Jason Aaron
Roteiro: Kieron Gillen (Screaming Citadel #1, Doctor Aphra #7 e 8), Jason Aaron (Star Wars #31 e 32)
Arte: Marco Checcheto (Screaming Citadel #1), Salvador Larroca (Star Wars #31 e 32), Andrea Broccardo (Doctor Aphra #7 e 8)
Cores: Andres Mossa (Screaming Citadel #1), Edgar Delgado (Star Wars #31 e 32), Antonio Fabela (Doctor Aphra #7 e 8)
Letras: Joe Caramagna (Screaming Citdadel #1 e Doctor Aphra #7 e 8), Clayton Cowles (Star Wars #31 e 32)
Editoria: Heather Antos, Jordan D. White
Editora (nos EUA): Marvel Comics
Data de publicação original: julho a agosto de 2017
Editora (no Brasil): Panini Comics
Data de publicação no Brasil: agosto de 2019 (encadernado)
Páginas: 112

Crítica | Han Solo: Uma História Star Wars (Marvel Comics)

Espaço: Corellia, Frota Imperial (espaço profundo), Mimban, Vandor, Kessel, órbita e espaço ao redor de Kessel, Savareen, Numidian Prime
Tempo: 13-10 a.B.Y.

No processo de leitura das adaptações literária e em quadrinhos de Han Solo: Uma História Star Wars, vi-me apreciando mais a história de origem do personagem que, originalmente, com o anúncio do filme, tive pouco interesse em conhecer, o que pode ter influenciado minha apreciação da obra dirigida por Ron Howard. Não é o que o longa tenha magicamente se transformado em algo excelente, mas consegui gostar mais da aventura descompromissada que ele definitivamente é.

A adaptação em quadrinhos, que, no Universo Star Wars, sempre ganhou tratamento vip pela Marvel Comics (que deveria estender esse tapete vermelho para suas tenebrosas adaptações/prelúdios em quadrinhos do Universo Cinematográfico Marvel), recebeu uma abordagem ainda mais especial, com uma minissérie não das tradicionais seis edições, mas sim sete e todas elas com capas alternativas. Considerando que o filme desapontou nas bilheterias, foi uma surpresa o investimento aqui e um investimento que, devo dizer logo de início, gera dividendos na história.

Para começar, há bem mais espaço para que todas as situações do filme sejam trabalhadas com vagar e com acréscimos de outras sequências que não estão no longa ou que aparecem por lá de maneira diferente. Robbie Thompson não chega sequer a usar o material extra da adaptação literária, mas, mesmo assim, entrega uma minissérie que não só respeita o material fonte, como acrescenta a ele e, melhor ainda, consegue viver independente dele, como uma aventura espacial protagonizada por um personagem particularmente muito convencido e cheio de si aprendendo todas as lições possíveis ao longo dos três anos em que a história se passa, considerando a elipse existente entre sua fuga de Corellia e seu encontro com Beckett e sua gangue em Mimban (curiosamente, esse é o primeiro planeta do universo literário expandido de Star Wars, tendo aparecido no clássico Splinter of the Mind’s Eye, de 1978).

Cada personagem de apoio também ganha um bom espaço relativo para conectar-se com a história macro, incluindo Val e Rio Durant, com os destaques, claro, ficando com Tobias Beckett – o modelo que inspira o futuro Han Solo -, Chewbacca e Qi’ra. Até mesmo os vilões Enfys Nest e Dryden Vos, de seus respectivos jeitos próprios, claro, ganham uma abordagem que vão além de seus respectivos arquétipos. O roteirista esforça-se de maneira bem sucedida para circundar o fato de Chewie falar em grunhidos – ou, tecnicamente, Shyriiwook – algo que Gerry Duggan também conseguira fazer na minissérie solo do personagem. Sem basear-se na bengala da tradução de Han Solo por todo o tempo ou pela tradução automática entre colchetes, Thompson consegue passar a necessária mensagem só com as inflexões possíveis das onomatopeias ilegíveis que ele utiliza, algo que o trabalho de letreiramento de Joe Caramagna captura e amplifica à perfeição.

A arte de Will Sliney é outra demonstração de um capricho fora do comum até mesmo para as adaptações de longas de Star Wars da Marvel, já que o trabalho do artista é lindíssimo, com enorme cuidado nos detalhes de cada personagem e de cada equipamento utilizado na minissérie. Seus traços “pintados” embelezam os movimentos e as expressões dos personagens, funcionando inclusive para Chewie e para os terríveis seres que comandam Han e Chewie em Corellia. Além disso, seu comando da progressão de quadros é muito boa, mesmo que, por vezes, ele acabe estabelecendo elipses que podem confundir quem não estiver prestando atenção. E, apesar de ele não usar com constância, suas páginas duplas – como a da imagem da Millenium Falcon que usei para ilustrar esse artigo – cumprem maravilhosamente bem a função dupla de contar a história e de deslumbrar o leitor.

Mesmo sendo um filme que muita gente desgosta, sua adaptação em quadrinhos é uma das melhores já feitas (e olha que há diversas adaptações por aí – confiram todas elas aqui) e merece ser conferida. Quem sabe o efeito de tornar o longa mais interessante que eu senti não se repete?

Han Solo: Uma História Star Wars (Solo: A Star Wars Story, EUA – 2017)
Contendo: Solo: A Star Wars Story #1 a 7
Roteiro: Robbie Thompson
Arte: Will Sliney
Cores: Federico Blee (#1, 2, 3, 5 e 7), Andres Mossa (#3, 4 e 6), Stefani Rennee (#3 e 6)
Letras: Joe Caramagna
Capas: Phil Noto
Editoria: Tom Groneman, Mark Paniccia
Editora original: Marvel Comics
Data original de publicação: outubro de 2018 a abril de 2019
Páginas: 162